Category Archives: cinema

Barbie (2023, Greta Gerwig) review… but I haven’t seen Barbie yet

Lately talking about movies has become talking about Barbie (2023, Greta Gerwig). People always ask each other if they’ve seen it and what they think about it. The same happens with Oppenheimer (2023, Christopher Nolan) but, as a person who has not seen either one or the other, I noticed that Barbie gets people talking a lot more. Maybe it’s because of all the advertising before and after the release, but it’s more likely because the whole thing became a massive pop phenomenon, which has taken up spaces very far from the field of cinema.

When I listen to people talking about it, friends or classmates, I notice that, even when they didn’t like the film, they discuss a list of ‘iconic’ scenes. Everyone somehow has their own personal list of scenes they can’t forget. Usually, when they start to discuss, they ask each other if they were both stunned by Margot Robbie when she etc. etc. At that point I admit that I try to think about something else, since I don’t want spoilers…

So far, I’ve heard more expectations disappointed than satisfied and the criticism I heard more often is that the movie is too superficial and doesn’t deal with certain topics taking up the right amount of space. The tendency of people who think this is to dismiss it as a failure, a bold but ultimately ineffective attempt. From the outside, I had a very different idea of the situation and I think that Greta Gerwig, the director, is a genius.

Greta Gerwig on the set of Barbie (Credits: Warner Bros.)

To demonstrate this, however, we must take a step back and watch a Gerwig’s interview back in 2020. At the time, Vogue asked her an interview for the 73 questions miniseries on YouTube. That’s a successful format in which Joe Sabia wanders into the house of a famous woman and, while they have a coffee or she prepares to leave and take an intercontinental flight, he asks her a series of questions about her life and personal taste. The questions usually go from a serious to a joking tone and the women have very little time to answer (the final product has no cuts: it’s a continuous shot that usually lasts 8-9 minutes and the total questions, as the title indicates, are 73 , so 9 questions per minute on average). It’s a very dynamic format, which gives the audience an idea of familiarity, first of all because it’s filmed in the interviewee’s home and she’s doing everyday actions (such as preparing a coffee or apologizing for a pile of books on the counter) and also because the questions are asked in a pressing manner, causing haste, giving the idea that the person is in a rush and busy with other actions and, as a consequence, giving more sincere answers.

The truth is that the interviews are made to promote an upcoming film or music album and the houses are presented as if they came directly from the pages of a specialized magazine (so much so that indeed a well-known magazine, Architectural Digest, has a similar series on YouTube, Open doors, with famous people’s house tours). The interviewed has probably rehearsed the tour with their publicists a few times and have been instructed on what to say and how to say it (and hopefully not repeat Dakota Johnson’s mistake with the limes). All this context is useful to analyze Greta Gerwig’s interview and the idea of herself that she wants to convey in those sixteen minutes of chat. A very precise idea, it must be said.

The video dates back to January 30, 2020 and has clear advertising purposes. Little Women, a film adaptation by Gerwig of Louisa May Alcott’s 1868 novel, was released in the United States on 25 December 2019, but was distributed in many countries overseas starting from 30 January 2020. Except for the first question, the initial two minutes are only about that movie and, in general, Gerwig uses the film throughout the interview to answer the more technical questions about her work as a director. In total, out of 73 questions, 11 concern the movie directly and at least as many talk about it indirectly, because the conversation often focuses on the profession of a movie director.

The first thing that catches the eye, for those who know the series, is that Greta Gerwig’s video was not shot in her home, but in Sony’s Studios in LA. Before her, only Anna Wintour, editor of Vogue, had been filmed in her office, in the magazine’s New York headquarters, as if the public could follow her on a normal Monday morning (or in a spin-off of The Devil Wears Prada). The conversation begins indeed with a question about why the chat is being filmed there and the answer is that Gerwig has to go to a Sony’s screening and will give the interviewer just as long as it takes to get to the right studio. It’s a beginning that already says a lot: it presents the director as really busy, in the middle of a break. Sometimes you can even see her hurrying the interviewer after they stopped in one place for too long or even steal a golf card to go faster.

Since the series was created to show the protagonists’ homes, it’s striking that the video is set elsewhere and suggests that it means something. Also, the other interviewees in this series often try to be relatable, talking about aspects of their private lives that show how they are, after all, real people. In Gerwig’s video that element is more in how she presents herself, in the way she responds, how she looks into the camera, how she gesticulates and gets confused when she speaks too quickly. Greta is a woman like many others, who binge watches Love Island UK and has seen Singing in the Rain a thousand times. At the same time. she precisely outlines her ambitions. Sometimes she responds with irony, making an irreverent joke, but if we look carefully we can see that she’s always kinda hiding something, a very specific vision. For example, when the interviewer asks her if she would make another film based on a book, she replies that she would like to adapt the Bible… but from the point of view of all women.

The references to her private life are minimal and all at the end: at minute twelve she’s asked what she observed during her first year of motherhood and Gerwig makes a general observation about newborns. Shortly afterwards, when she mentions her partner, she calls him by his first and last name, Noah Baumbach, without specifying their romantic relationship, introducing him only as her collaborator. She mentions him twice in total, at minute thirteen and shortly after (calling him just ‘Noah’), for the rest, the interview talks only about her, not as a woman, but precisely as a director. It seems that the idea behind it is to give Gerwig the credibility of a job that is usually a male one.

Noah Baumbach, Greta Gerwig and Saoirse Ronan on the set of Lady Bird (Credits: Pinterest)

The interviewer is full of questions about what’s the best scene she has ever directed, what’s the most difficult aspect to capture on camera, what are her future plans. She answers in an articulate and passionate way, showing that she’s thought a lot about those things. An important moment to get something out of the chat is when she’s asked a few simple questions about who her favorite authors are. Gerwig outlines a precise constellation: Virginia Wolf, Joan Didion, Jane Austen. Her answers show she knows the great female authors of the past, but she’s also able to see their weaknesses (she criticizes Austen for the expectations she created in her teenage life regarding men and relationships) or use them as a basis to say something to the audience of the present (especially with her Alcott’s adaptation, Little Women). Her project, it’s clear, goes beyond the promotion of her latest movie and this can be seen very well in three key moments. The first one is when she talks about Virginia Wolf:

<what I love about her… so many things… I love her writing, but also, she was included in the canon because she was just better than anyone… And I feel like they thought ‘Oh, well, that lady… she’s a lady, but she’s really great.>

Later when she’s asked why it’s important for her to have a certain style in the way she dresses when working as a director, she says:

<to communicate all of my power (chuckling)>

Finally, when she has to say what she would like to be asked more frequently in interviews:

<I would… I hope to get asked more… I mean it would to also correspond with my life. I hope somebody asked me ‘What does it feel, like, to win so many Oscars?’>.

She has a plan to greatness, a more or less veiled one, something that she’s pondering from afar in that moment, but which she sees as tangible and declares proudly at the end of the video, to answer the classic question about future projects:

<I’ll be writing a picture about Barbie. A Barbie picture.>

Ryan Gosling, Margot Robbie and Greta Gerwig on the set of Barbie (Credits: Pinterest)

To understand why this sixteen-minute video is so relevant to analyze what Greta Gerwig managed to do, I need to reconstruct the context. At the time, the director had already achieved a certain popularity, thanks to the success of her first solo feature film, Lady Bird, which in 2018 had received 5 Oscar nominations (best film, best director, best original screenplay, best leading actress and best supporting actress), without winning any. The film had grossed eight times the production costs, for an estimated total of more than 80 million dollars, and had marked Greta Gerwig’s transition from the environment of American indie cinema, where she started, to Hollywood; which brings us back to Little Women, produced by Columbia Picture, part of Sony Picture, one of the largest American production companies.

Timothée Chalamet, Saoirse Ronan and Greta Gerwig on the set of Lady Bird (Credits: Pinterest)

Little Women had a budget of 40 million dollars, 30 more than Lady Bird, and grossed 218 million, an increase of 173% compared to the previous film. The work was fundamental in consolidating Gerwig’s position as a filmmaker on the American scene. In fact, although it was, as many said when it was about to be released, the last adaptation of a long series, it established itself on the market successfully. Women of all ages ran to see it (either because it was released on Christmas, or because they were huge fans of the book already) and the film received 6 Oscar nominations (best film, best leading actress, best supporting actress, best non-original screenplay, best costumes and best soundtrack), winning however only for best costumes.

Emma Watson, Greta Gerwig, Saoirse Ronan and Florence Pugh on the set of Little Women (Credits: Pinterest)

If Lady Bird was made to speak to a more specific audience (and, let’s be honest, it spoke so frankly to it, that we almost saw Saoirse Ronan look into the camera like Fleabag), this other film had the potential to reach a much larger audience and was successful in doing so. The nostalgic element played a role at the box office for sure, in the choice of the theatrical release period. The film was released on December 25, 2019 in the United States, probably focusing on the fact that there was a part of the movie set during Christmas time (used indeed for a series of trailers that showed this would be the perfect film to watch during the holidays). Furthermore, the choice of the cast was also tempting and succeeded in a transversal way: you could see the movie with your aunt (who was a super fan of Meryl Streep), your best friend (who wanted to be born Emma Watson), your sister (in love with Timothée Chalamet), your mother (crazy for Laura Dern) and last but not least, you could pretend something else, but you’d have been there just for Louis Garrel (there was little to be done… she got it right for any of us). These were only the rehearsals for the ‘Barbie operation’, but they were fundamental both for Gerwig as a director (who, among other things, directed the movie during a pregnancy) and for the production companies as an investment.

polaroid of Emma Watson, Greta Gerwig, Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Florence Pugh and Eliza Scanlen on the set of Little Women (Credits: Pinterest)

Regardless of all these, the truth is that the book itself is written for a very broad audience, from early childhood to adulthood. The story is about four very different sisters and every woman can recognize herself in one of them; just as she can see similarities between her own mother and the one of the story (a thing already present in Lady Bird which, not surprisingly, was supposed to be called Mothers and Daughters). I remember that when it came out some of my friends debated who-looked-like-who, also to see if their ideas had changed since they had read the book. Despite being set in the Nineteenth Century, it’s easy to find a piece of you in Jo, in Meg, in Amy and in Beth and Greta Gerwig did a movie to remind us that. A great choice, in terms of adaptation, consists in the fact that the protagonist of the film is played by Saoirse Ronan, a detail that creates a unique fil rouge with Lady Bird, where she played the main character as well. Ronan is for Gerwig what Jesse Eisenberg or Owen Wilson were for Woody Allen, an actor’s alter ego when someone who’s both a director and a actor wants to focus on the first part of the duo.

Greta on the set of Lady Bird (Credits: Pinterest)

An important issue in Greta Gerwig’s cinema is recognition. Even when she made her very first low-budget indie films, like Hannah takes the stairs (2007, Joe Swamberg) she wrote her characters with this idea. Critics already said back then her movies were about a generation and she herself acted in them and gave substance to those sensations. Gerwig indeed became famous as one of the best actresses of her generation, with performances such as that of 20th Century women (2016, Mike Mills). The combination of her career as an actress and that of a screenwriter was the key with which she managed to open the doors that led her to Barbie. Greta, with her characters, managed to be recognisable, visible, both as an actress and as a screenwriter. The union of these two aspects was fundamental: she had agency as an artist, she wasn’t just a performer. That put her in a dominant position within the industry.

Greta Gerwig dancing in 20th Century Women (Credits: Pinterest)

This is why Frances Ha (2012, Noah Baumbach) will be studied in the future as a cornerstone of American indie cinema and a turning point in Gerwig’s (and Baumbach’s) career. Greta Gerwig is already in the canon with that film. The influence that her cinema has had and will have on an entire generation of filmmakers is already on the table. The vulnerability of her character, as well as some specific directorial choices, gave birth to a small masterpiece. Frances Ha is the highest point (so far at least) of the Gerwig-Baumbach artistic collaboration, which began with Greenberg (2010, Baumbach) and continued with Mistress America (2015, Baumbach) and White Noise (2022, Baumbach), ending with Barbie (2023, Gerwig) which he co-write. Both coming from the American indie cinema environment, the two met as actress and director, and then began writing screenplays together and achieved popularity more or less at the same time. Baumbach had a certain fame before collaborating with Gerwig, so much so that he had already worked with actresses like Nicole Kidman, but he achieved international success at the same time. This is demonstrated by the fact that the two showed up at the 2020 Oscar ceremony with 6 nominations each for separate projects.

Greta Gerwig in Frances Ha (Credits: Pinterest)

The boost that the collaboration with Baumbach gave to Gerwig’s career is undeniable, but the opposite is also true. That said, Greta Gerwig is analyzable alone. Her work has maintained constants over time both in the themes and in the approach to them. The idea of giving space to a different representation of reality, of giving substance to experiences that had not yet found representation in cinema, whether indie or mainstream (with the exception of the work of Sofia Coppola), is what has remained constant since Hannah takes the stairs to Barbie. Gerwig worked for herself, but she worked for everyone, creating a space for different voices, questioning an all-male canon, in cinema as in literature (to return to the interview and the moment in which she talks about Virgina Wolf). It was not just about characters, but also about working figures in the sector. The space that she actually managed to create is undeniable: Barbie. Barbie is not ‘only’ the most profitable film of 2023, with more than one billion four hundred thousand dollars grossed, but a true pop culture phenomenon.

Greta Gerwig arrived in the cinema industry with some other young dreamers, making small films all improvised, and twenty years later we find her in triumph with the most successful film of the world. How did she do that? Remaining loyal to the idea of creating a space for recognition, for herself and for her audience, a place where a woman anywhere in the world and of any age could say that she understood what Greta Gerwig was trying to tell her. What more iconic object for this undertaking than the doll all women in the world had growing up with? I just find genius in this. Not to mention the fact that after such a phenomenon it’ll be much easier for a female director to find space in the industry. Many producers’ll want to exploit the wave of success of Barbie and will invest much more in stories that explore the dark side of the moon.

Greta Gerwig is Virginia Wolf: she’s a lady but she’s really great.

Costanza Rossi

Barbie (Credits: Pinterest)

Antonioni e la trilogia dell’incomunicabilità

Cosa cerchiamo negli altri? La trilogia dell’incomunicabilità mi ha dato come una spinta atavica verso queste righe. Riusciamo a vedere davvero chi abbiamo davanti? Riusciamo ad essere visti? Tarkovsky analizzando il finale de La Notte (1961) parla di due persone che non provano più nulla l’una per l’altra, che hanno perso tutta l’attrazione e i sentimenti di un tempo, ciononostante hanno come una sensazione di vicinanza, un’appartenenza fisica e spirituale che non riescono a lasciarsi alle spalle. I due protagonisti stanno come annegando e si tengono abbracciati per salvarsi reciprocamente. Non hanno più nulla da dirsi, ma rimangono seduti uno accanto all’altra e quando lei legge la lettera, lui non riconosce quelle parole, che ha scritto molto tempo prima, e le chiede di chi siano. È una scena inclemente. È una trilogia inclemente, disillusa, rassegnata.

Il primo lavoro è L’Avventura (1960). Monica Vitti, figura al contempo incurante e disarmante, cerca un’amica che si è persa. I capelli scompigliati dal vento e una linea nera che le delinea decisa gli occhi. Vaga per un’isola deserta, una minuscola isola del Mediterraneo. Cerca in ogni angolo, in ogni spelonca, ma l’amica sembra sparita nel nulla. Erano partire insieme con un gruppo di amici, qualche tuffo in mare e partite a carte, ma durante un’escursione lei ha litigato con il fidanzato e si è volatilizzata. Salgono e scendono tra gli scogli. Non la trovano. Non si trova, è stata come inghiottita dall’isola, lasciando lei e il fidanzato sulle sue tracce. Monica perlustra tutta l’isola, testarda, vuole vederci chiaro, ma non trova che una cosa: una passione travolgente per lui e uno sconvolgente senso di colpa. I due si guardano e si bramano nel silenzio di un lutto che non è nemmeno chiaro se sia tale o no. Si intrecciano sguardi e parole, tutto si confonde. La verità sulla sparizione, i sentimenti che si fanno spazio tra loro, la confusione per come si possa dimenticare e ardere. Solo lei prova tutto questo? Lui sembra pronto a lanciarsi senza remore, senza risentimenti.

Le donne di tutta la trilogia sono isolate nei loro pensieri, nei loro sentimenti, nei loro desideri. Gli uomini che hanno accanto bruciano per loro un attimo, per poi rivolgersi altrove, non riescono mai a creare un legame diverso. Non riescono a capirsi, a guardarsi davvero, a parlare, ma nessuno ha colpa di questo, sembra una situazione inevitabile. Camminano l’uno accanto all’altra e non sanno cosa stia pensando, l’altro. Si siedono vicini, ma sono irrimediabilmente distanti. Monica Vitti è il minimo comune denominatore di questi tre film, insieme ad Antonioni, e presta il suo volto e i suoi sguardi per restituirci tutto quello che potrebbe essere, ma che non è, che non si spiega, non si scioglie. Gli uomini corrono dietro i loro desideri e alle donne non rimane che guardarli allontanarsi. Quando si trovano, hanno due conversazioni in parallelo, non si ascoltano, guardano il mondo con i loro occhi e solo quelli.

Il secondo lavoro è La Notte (1961). Un senso di precarietà si avvinghia allo spettatore fin da subito, quando i due protagonisti, Marcello Mastroianni e Jeanne Moreau, vanno a trovare in ospedale un loro amico scrittore che sta morendo. Mastroianni, anch’egli scrittore, ha una presentazione proprio quel pomeriggio e non sembra turbato dalla visita di quella mattina, lo vediamo muoversi sicuro tra la folla. Moreau, al contrario, lascia l’evento (in un modo, per inciso, molto simile a come accade in The worst person in the world di Joaquim Trier) e inizia una serie di peregrinazioni cittadine senza meta. Lui non sa dove cercarla, poi lei lo chiama, si ritrovano, ma sono irrimediabilmente distanti. Lo sono di partenza, quella mattina in ospedale… non sembrano una coppia. Quella stessa sera lei gli chiede di passarle un asciugamano dopo un bagno e lui non la guarda nemmeno. Lei si tormenta, ma non dice nulla. L’apoteosi della parabola tra i due accade a una festa, quella notte. Entrambi si lanciano in avventure deludenti, per poi ritrovarsi di nuovo alle soglie del giorno, non avendo nulla da dirsi, ma scegliendosi ancora, due amanti febbricitanti, che hanno imparato solo quello, a scegliersi ancora e ancora, nonostante tutta la distanza che li separa.

C’è stato un momento in cui le cose sono andate diversamente? Il film non ce lo mostra. Non sappiamo se quella distanza incolmabile è, come nel film precedente, frutto di due posizioni diverse in partenza. La lettera che Moreau legge alla fine del film fa riflettere sull’intensità dei sentimenti che possiamo provare, sul grado di connessione che possiamo sentire davanti a un’altra persona, ma si confronta con quell’enorme vuoto tra i personaggi, tutto quello che è rimasto alla fine della notte.

L’ultimo lavoro è L’Eclisse (1962). Rispetto agli altri due film ci sono molti più elementi in linea con Blow-up (1969), come un’attenzione crescente verso lo spazio urbano e il suo ruolo nella storia. L’incomunicabilità qui prende spazio tra i personaggi in modo diverso, è un tema che attraversa il dialogo non solo tra i due protagonisti, ma anche tra tutti coloro che entrano in relazione con loro. Questa trilogia prende la forma di Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? Un senso di isolamento sempre più marcato si distende tra un film e l’altro. Domande senza risposte, parole scambiate come tra persone che parlano lingue diverse. Cosa rimane alla fine della storia? Un silenzio.

Tutti e tre i film si trovano su You Tube. Spero che queste mie elucubrazioni possano giovare a qualcuno. Buona visione 🙂

cinema svizzero a venezia – titoli di coda per l’undicesima edizione del festival

Settimana scorsa, dopo le lezioni, sono corsa tutti i pomeriggi in Campo Sant’Agnese, dietro il museo dell’Accademia, dove si è svolta l’undicesima edizione del Festival del Cinema Svizzero a Venezia. Si tratta di un’iniziativa organizzata da più di dieci anni dal Consolato che, oltre a proiettare opere del cinema contemporaneo, invita in città registi e altri personaggi di spicco del cinema svizzero, come il direttore della Cinémathéque Suisse e del Festival di Locarno, Frédéric Maire, che sabato sera ha presentato ‘Charles Mort Ou Vif‘ di Alain Tanner.

Quest’ultimo film è stato forse il mio preferito della rassegna e credo sia esemplificativo di tutto il lavoro del festival, e del Consolato in generale, che vede il suo fulcro nel trovare e proporre delle opere che possano parlare, certo, della Svizzera, ma soprattutto aprire una dimensione dialogica tra il pubblico e lo schermo. E’ incredibile, infatti, come ‘Charles Mort Ou Vif‘ risulti moderno a cinquant’anni di distanza dalla sua creazione e riesca a interrogarci in modo diretto sulle vite che ognuno di noi sceglie, ieri come oggi.

La storia segue un imprenditore ginevrino che repentinamente lascia la sua azienda, senza avvisare nessuno, e inizia a vagare per la città, nascondendosi dalle sue vecchie responsabilità e aprendosi a nuovi incontri. Radiografia critica della Svizzera degli anni ’60, il film d’esordio di Tanner è una favola ribelle, malinconica e a tratti super spassosa. (attualmente su Mubi)

Una scena da ‘Charles Mort Ou Vif’ (1969, Alain Tanner)

Sulla scia di Alain Tanner si sta aprendo uno spazio di riflessione per alcuni giovani registi svizzeri contemporanei, tra cui Cyril Schäublin, presente al festival con Unrueh‘. Anche in questo caso si parte da un grande centro di produzione industriale, la più grande fabbrica di orologi alla fine del diciannovesimo secolo, per arrivare a una ponderazione più problematizzata del tempo umano. Le declinazioni sono molteplici, come lo sono i tempi della storia, che si sviluppa in un villaggio in cui coesistono quattro fusi orari diversi. Il titolo, che si traduce con ‘agitazione’, si lega da un lato alla trama che contrappone un gruppo operaio di anarchici ai padroni dell’industria, dall’altro al processo industriale stesso, che nel caso della fabbrica di orologi consiste nel ponderare il movimento di agitazione della molla meccanica alla base di tutto il congegno. Nel film il tempo dell’uomo si contrappone a quello della natura, con delle scelte di regia audaci, che usano molti campi lunghi in cui i protagonisti si confondono con elementi del paesaggio.

Una scena da ‘Unrueh’ (2022, Cyril Schäublin)

Alcune scelte di ‘Unrueh’, come l’uso di attori non professionisti e di luci esclusivamente naturali per girare, oltre a una storia raccontata con un ritmo meno concitato di quanto non siamo stati sempre abituati, sono condivise dalla sperimentazione di altri autori presenti al festival, in particolare di Micheal Koch e il suoDrii Winter‘.

Il film, che rappresenterà la Svizzera ai prossimi Oscar, segue i protagonisti e la loro vita in un piccolo villaggio di montagna, messa a dura prova dall’insorgere dei segni di una strana malattia che inizia a colpire uno dei due. Si tratta di una storia che ancora una volta sembra essere intrinsecamente e profondamente legata alla natura dei luoghi in cui si sviluppa e, in questo caso, lo è anche per la ricerca di diversi anni che ha preceduto il film, ad opera del regista, interessato a restituire la vita vera degli abitanti del posto. Ad accompagnare il film a Venezia è arrivato il direttore della fotografia, Armin Dieroff, che ha raccontato alcuni punti fondamentali dell’opera, come la scelta di introdurre un coro, che inframezzasse la narrazione e fosse inserito in maniera tutta sua nel contesto naturale, secondo uno schema drammatico tipico della tragedia greca.

Una scena da ‘Drii Winter’ (2022, Micheal Koch)

I luoghi come fulcri della narrazione credo si possano definire come una delle direttive principali dell’edizione del festival di quest’anno, a partire dal film di apertura ‘Il sergente dell’Altopiano. La storia di Mario Rigoni Stern‘ di Federico Massa e Tommaso Brugin. Chi mi conosce sa che non posso rimanere obiettiva quando si finisce in quei luoghi, ovvero sull’Altopiano di Asiago, ma a prescindere dalle mie posizioni personali, il film segue lo scrittore a spasso per i boschi e altri luoghi a lui cari. Si tratta di un documentario di montaggio in cui si sovrappongono due sfere temporali, con immagini d’archivio su cui sono sapientemente costruite le testimonianze di oggi. Gli intervistati ritornano nei posti di famose interviste dello scrittore e danno l’idea di camminargli in qualche modo accanto.

Ma chi più di ‘Architettura dell’infinito‘ ha interpellato se stesso e il pubblico sul profondo senso di connessione tra l’uomo e i luoghi? Alla ricerca di progetti che restituissero una dimensione fisica (e metafisica) in qualche modo magica e ultraterrena, aperta all’universale si potrebbe dire, Christoph Schaub ha girato il mondo con la sua macchina da presa e intervistato quanti più architetti possibile. Il risultato è un’indagine sui limiti dello sguardo umano, oltre che del pensiero, che in ultima analisi ha a che fare con l’architettura, tanto quanto con il senso della vita e il senso del sacro che ispira. Magnifico.

Una scena da ‘ARCHITEKTUR DER UNENDLICHKEIT‘ (2018, Christoph Shaub)

La rassegna non si è concentrata solamente su luoghi di montagna, come potrebbe sembrare dal mio resoconto fino ad ora, perché nella selezione era presente anche ‘Becoming Giulia‘ di Laura Kaehr, ambientato al Teatro dell’Opera di Zurigo, intorno a cui ruota (o volteggia, se preferite) la vita della protagonista, prima ballerina lì. Il film è un documentario che immerge gli spettatori nella quotidianità di Giulia Tonelli, nel momento in cui torna al lavoro dopo la sua prima maternità e cerca un equilibrio tra l’ambiente dell’Opera e la sua nuova dimensione famigliare. Il modo in cui la regista è entrata in connessione con il suo soggetto e lo ha restituito al pubblico è stata per tutti un’esperienza unica al festival; ancora più emozionante quando le luci in sala si sono riaccese e Giulia era lì con la sua famiglia. Ma questo è solo uno degli esempi che potrei fare degli incontri e delle riflessioni che il festival ha reso possibili settimana scorsa.

Spero di avervi dato un’idea quanto più vicina della mia esperienza a questo festival, oltre che avervi magari fatto segnare qualche titolo per future visioni. A conclusione di questo resoconto non posso che incoraggiarvi a tenere d’occhio gli eventi del Consolato (anche a Milano, non solo a Venezia), perché credo meritino la nostra attenzione. Del resto non è facile creare una rassegna così diversificata e al contempo percepibilmente rivolta verso un comune orizzonte di indagine e per questo il festival mi ha sorpresa e ‘fidelizzata’ a Campo Sant’Agata da qui in poi.

Buone visioni!


alcuni articoli che ho scritto











analysis of the movie ’emma.’ (2020, by Autumn de Wilde)

Emma. is a readaptation of the novel by Jane Austen, already used as subject for several movies, including the iconic Clueless and a version starring Gwyneth Paltrow. The story is about a young aristocrat, Emma Woodhouse, who lives with her father in a graceful country house and has no great entertainment, other than plotting engagements for her friends, which she believes to be her greatest talent.

After the marriage of her housekeeper, Emma decides that she’ll also find a husband for her new friend Harriet, who has the serious problem of an unknown father. Emma believes that her friend can still get a good marriage and wants to set her up with Mr. Elton, the vicar of their village. In order to do that, she makes her turn down the offer of another less wealthy guy (even if Harriet has a crush on him) and encourages her interest in the priest. This happens despite Mr. Knightley, neighbor and dear friend of Emma, is helping the other suitor to make his proposal to Harriet and has good reasons to believe that Mr. Elton is not interested in the union that Emma is prospecting for him.

The plot is very dense and there are many other characters, Emma plays with everyone as if she was dealing with a dollhouse: she lives in a bubble, made up of her village, and has no ambition to go somewhere else, mainly because plotting and orchestrating the lives of those around her makes her feel powerful and superior. The only one who stands up to her and would like her to use her talents in a less superb way is Mr. Knightley, otherwise Emma acts undisturbed, with even Harriet’s deepest admiration.

This version shows a year in Emma’s life, following the course of the seasons and perhaps, not surprisingly, it begins with autumn (since the director’s name is Autumn). This construction divides the plot into four acts, like a play, and emphasizes the peculiarities of each season, which are fundamental for the costumes and the characterization of the characters linked to them. Everyone’s style is indeed very personal and, as reported by the costume designer, in the case of Emma, the queen bee of the story, the best way to show it was to make her wear the perfect dress for every event, every day, in every season. Each season is associated to a specific color palette, so the temporal change implies the one of the clothes and underlines how Emma imposes herself in many subtle ways in the story.

Costume designer Alexandra Byrne (2007 Oscar winner for Elisabeth: The Golden Age) has created historically accurate pieces, which are inspired by paintings and images of the first fashion magazines, born in the Georgian era in which the film is set. Harriet, for example, has a sort of school’s uniform, characterized by a red cape, historically documented. Over the course of the story, the more she binds to Emma, the more she begins to absorb her style, following the fashion of the time, making explicit the relationship between them.

The costumes make us perceive, as it was confirmed by Anya Taylor-Joy, who played the main character, that the clothes were fundamental for the actors to create characters. This is central for Emma, who is very self-confident, aware that a certain dress is perfect for her and able to imperceptibly show it. For example, in the scene where she paints a portrait of Harriet to impress Mr. Elton, she wants to highlight her friend but she’s the center anyway. The vicar, indeed, tries not to look at her neckline, which is subtly accentuated by some kind of collar she wears.

One of the strengths of this work is that all departments have worked closely, creating a cohesive result. Some characters’ costumes, such as those of Mrs. Elton, were designed according to the set designers to give the idea of who was foreign to a certain environment and who was not. This is especially clear when Mrs. Elton visits Emma and her father in their mansion, because her orange dress stands out from the other furniture and clothes.

Talking about Emma’s house, it’s fair to spend some words about it: the crew looked for a place that was from the Georgian period and that had never been used for a movie before. For the director it was essential that everything was historically accurate, so the rooms were furnished in a meticulous way, giving them, for example, the original colors of the walls, which are almost never seen in period movie. Furthermore, the house had to be a sort of dollhouse in which the main character could plan all her plots, so each room was created under this directive, with a specific color that is increasingly bright (the living room is pastel green, the stairs almost bright blue. , etc).

Interesting thing: the way in which Emma and Mr. Knightley’s houses are portrayed makes them look like neighboring properties, also because in the story their owners are neighbors, but in reality those buildings are not that close. They are, in fact, about 86 miles away from each other and moreover Mr. Knightley’s property is famous, since it was used for the productions of The Crown and Pride and Prejudice (2005). Among other things, Pride and Prejudice shares with Emma. a scene where the guests take a tour of the house (coincidences?). Knightley’s walks cancel the real distance and restore that idea of familiarity between the characters, as well as a peculiarity of his person, which is modesty. He doesn’t flaunt his status (as Emma does) going to her house in a carriage, since the houses are (at least in the story) so close.

His walks are also a perfect example of the beautiful landscapes of the movie, which direct us to the theme of nature represented. Nature is brilliantly used as a metaphor, for example through a puntual choice of flowers in the greenhouse, so that, when Emma flirts with Churchill, she finds herself gathering buttercups, roses and jasmine, commonly related to love. As mentioned, everything in de Wilde’s film is meticulously verified on a historical level (even the breed of sheep that are seen grazing around), so it’s not surprising that the availability of flowers in a certain season and the landscapes are too. This was done to give a vision as close as possible to what Jane Austen must had in mind. In fact, the village where the characters shop and stroll is not far from the places originally conceived by the writer. Furthermore, the fact that the director is a photographer and she has an incredibly artistic look, makes each shot a small picture; if for the interiors this is achieved in symmetrical shots, for the exteriors the eye lost himself in the depth of focus.

a scene of Pride and Prejudice (2007) at Wilton House, Salisbury
a scene of Emma. (2020) at Wilton House, Salisbury

One of the most characterizing elements of the film is the music, which perfectly conveys the spirit of some moments. The soundtrack is partly composed specifically and partly taken from what were the listening at that time (Beethoven and Hayden, but also some songs of the folkloristic tradition). In the first case, it was tailor-made for some characters, who may have a specific theme that evolves with them or instruments that represent them as in spaghetti westerns. In the second case it was chosen for Jane Austen’s great passion for folk music and some songs that inspired others of folk rock, dear to the director, have recovered (Autumn de Wild has worked as a photographer and lived the world of rock and this can be found in many details).

The original part of the soundtrack was composed by Isobelle Waller-Bridge (Phoebe’s sister, yes) who had collaborated to Fleabag and was noticed by the director, interested by the ‘musical sense of humor‘ of the series, especially in the second season. They developed together themes according to the idea that the orchestra was somehow arguing with Emma and also playing with the tones of the actors’ voices, which were reproduced with musical instruments. The composer said there’s a rhythm and a musicality in de Wilde’s composition of the scenes and that contributed to the creation of the music, which followed the movements of the characters and accompanying them.

All the aspects seen above are the solid basis on which story rests and, although it’s distant from our everyday life, as it dates back to more than two hundred years ago, it’s undeniable that it speaks to us directly in many points. That’s because, even if the context and setting are so distant from us, it doesn’t necessarily mean the characters are too. Emma is hard to love in the first shots, but that’s part of the greatness of this story , having an anti-hero as the main character. The subject of the film is youth, a youth stained with hybris, which ultimately finds itself experiencing many moments that could also happen to a viewer. There are a series of topical situations, which make it a timeless tale, to which everyone can relate.

Everyone has at least once find himself at a party where someone said something rude creating general embarrassment, or in the situation of realizing they were in love with their bestfriend; Autumn de Wild started with things she lived on her skin like these, and brought out some of the most beautiful scenes in the film. The director’s life is hidden in big and small details, like Emma’s bloody nose, added to the script to humanize the character and also because it often happens to Autumn herself.

It’s easy to find yourself in the characters, because this version has focused much more on some dynamics, one of all the relationship between Harriet and Emma, in the perspective of growth. In the beginning of the film, Harriet is Emma’s new doll, and can be directed by her to a choice rather than another. The further the story goes, the more Emma sees her plans for Harriet fade and finds herself with a friend who is disconsolate and disillusioned about her marriage prospects. This does not change her, because she still remains true to herself, but it makes her grow and humbles her. At the same time, it changes her best friend, making her, for example, capable of use her voice more when she talks to Emma.

The characters are young and as young girls they behave: they change their opinion of each other over time, sometimes they are unreasonable, sometimes they are naive and above all they have that energy, those looks, which are summed up very well in the dance scene, for which everyone speaks with their eyes. Like any self-respecting costume movie, dance is used as a moment of meeting and contact, because historically it was the only time when people could be so close, physical and alive. It is also a metaphor for Emma’s point of view, who unsuccessfully seeks Churchill’s complicity only to find herself (literally, thanks to the dance) in Knightley’s arms.

The very young and very good cast renders the nuances well, and above all the familiarity or detachment that is created in one moment rather than another. One of the best actors is Johnny Flynn, who plays Knightley, who from the very first scene in which he appears is clear will be special. In fact, in that first scene Autumn de Wild wanted to show how the aristocrats were dressed and how he and Emma had the same basic clothes. So Knightley is dressed by his servants, reversing the traditional costume film topos of dressing a woman.

His character immediately seems different, from the clothes: he’s linked to Emma and often argues with her. He’s the only one who says something to her when her attitude is unbereable. He does that only to make her act less like a girl and more like a woman, but there’s an underlying sweetness in his character, which probably belongs to the family. In the final scene, indeed, both he and his brother are moved and shed a few tears at the wedding. These details and many others outline a different idea around masculinity, which always follows that perspective of familiarity that the film creates scene after scene.

A familiarity that finds its strength also in what I like to define as the ‘realistic component‘ that is present several times in the narrative. Some examples are when Emma lifts her dress to warm up herself in front of the fireplace, or when Miss Martin has the hem of the dress wet for the rain, or when the sheep are grazing in front of the houses, or when someone eats too quickly at the dinner table. All these little details give characters lifeblood and make us emphatize. Among other things, they were used wisely to let the comic streak out of the story and not to impose it rigidly from the outside.

Autumn de Wilde has reconstructed this world in detail and filled it with a sincere youth, she did it with passion and affection towards the story and its characters. If Jane Austen saw the film she could not help but confirm that it’s the definitive transposition of the story (not surprisingly there’s a point in the title) … then she would probably cry for the ending as well.

Costanza Rossi

SOURCES: costume design + analysis & + Alexandra Byrne’s interview &

set design + locations + the importance of flowers

interview with the composer Isobel Waller-Bridge + interview to the cast and to the set designer on the set + interview to the director and lead actress + Harriet and ‘Clueless’ for Autumn de Wild

why there’s a period at the end of the movie title–16722 + first scene of the film

analisi del film ‘Emma.’ (2020, Autumn de Wilde)

‘Emma.’ è un riadattamento dell’omonimo romanzo di Jane Austen, già oggetto di diversi film, tra cui il super famoso ‘Clueless’ e una versione con protagonista Gwyneth Paltrow. La storia è quella di Emma Woodhouse, giovane aristocratica che vive con il padre in un’elegante casa di campagna e non ha grandi svaghi, se non quello di tramare fidanzamenti per le sue amiche, cosa che crede essere il suo più grande talento.

Dopo il felice matrimonio della sua governante, Emma decide che troverà una sistemazione anche per la sua nuova amica Harriet, una ragazza dolcissima, che come debuttante ha il gravoso problema di un padre ignoto. Una serie di ragioni fanno credere a Emma che la sua amica potrebbe ambire a un buon matrimonio con Mr. Elton, il vicario del loro villaggio. Così le fa rifiutare la proposta di un altro spasimante meno abbiente (di cui Harriet è cottissima) e incoraggia il suo interesse per il prete. Tutto ciò nonostante Mr. Knightley, vicino di casa e carissimo amico di Emma, si fosse speso per aiutare l’altro spasimante a fare la proposta ad Harriet e parlando con Mr. Elton avesse avuto modo di capire che non era interessato all’unione che Emma prospettava per lui.

La trama è fittissima e ci sono molti altri personaggi, Emma gioca con tutti come se avesse a che fare con una casa delle bambole: vive in questa bolla, costituita dal suo villaggio, e non ha l’ambizione di uscire per andare da qualche altra parte, perché rimanere lì e tramare e orchestrare le vite di quelli che le stanno intorno la fa sentire potente e superiore. L’unico che le tiene testa e vorrebbe che utilizzasse le sue doti in modo meno superbo è Mr. Knightley, per il resto Emma agisce indisturbata, con addirittura la più profonda ammirazione e venerazione di Harriet, che pende dalle sue labbra.

La versione di Autumn de Wilde racconta un anno della vita di Emma, seguendo il corso delle stagioni e forse, non a caso, comincia proprio con l’autunno. Di fatto questa costruzione divide la trama in quattro atti, come uno spettacolo teatrale, ed enfatizza le peculiarità di ogni stagione, che sono fondamentali per i costumi e la caratterizzazione dei personaggi ad essi legata. Lo stile di ognuno è infatti molto personale e, secondo quanto riportato dalla costume designer, nel caso di Emma, ape regina della storia, il modo migliore per mostrarlo era farle indossare l’abito perfetto per ogni evento, ogni giorno, in ogni stagione. Ogni stagione è associata a una specifica palette di colori, in modo tale che il cambiamento a livello temporale implichi anche quello degli abiti e sottolinei come Emma imponga se stessa in molti modi sottili nella storia.

La costume designer Alexandra Byrne (premio Oscar 2007 per i costumi di ‘Elisabeth: The Golden Age’) ha creato una serie di pezzi incredibilmente accurati dal punto di vista storico, che si ispirano a quadri e immagini delle prime riviste di moda, nate proprio nell’epoca georgiana in cui è ambientato il film. Harriet, per esempio, vive in un orfanotrofio e ha una sorta di divisa, caratterizzata da un mantello rosso, storicamente documentata. Nel corso della storia più si lega a Emma, più inizia ad assorbire il suo stile, seguendo la moda dell’epoca, esplicitando con gli abiti il rapporto (anche di potere) fra loro.

I costumi fanno percepire, cosa confermata da Anya Taylor-Joy che ha interpretato la protagonista, che gli abiti sono stati fondamentali per aiutare gli attori a creare i personaggi. Questo è chiaro e centrale per Emma, che è una persona molto sicura di sè, consapevole che un certo abito le doni e capace di metterlo impercettibilmente in mostra. Per esempio, nella scena in cui fa un ritratto di Harriet per attirare sull’amica l’attenzione di Mr. Elton, pur volendo mettere in luce l’altra, è chiaro che comunque è lei il centro di tutto, perché il vicario cerca di non guardare lo scollo del suo vestito, che è sottilmente accentuato da una sorta di collarino che indossa.

Uno dei punti di forza di questo lavoro è che tutti i dipartimenti hanno collaborato tra loro, dando vita a un risultato armonioso e coeso. A prova di ciò vi sono i costumi di alcuni personaggi, come quelli di Mrs. Elton, che sono stati studiati con il set per restituire allo spettatore l’idea di chi fosse estraneo a un determinato ambiente e chi no. Questo è particolarmente evidente quando Mrs. Elton va a trovare Emma e suo padre nella loro dimora, perché il suo vestito arancione spicca rispetto all’arredamento e ai vestiti degli altri.

A proposito della dimora del padre di Emma è giusto spendere alcune parole a riguardo: è stata cercata una casa che non fosse mai stata usata per un film e che fosse di età georgiana. Per la regista era fondamentale che tutto fosse storicamente preciso, per cui gli ambienti sono stati arredati in modo meticoloso, restituendo loro, per esempio, i colori originali delle pareti, che non si vedono quasi mai nei film in costume di quest’epoca. Inoltre la dimora doveva essere una sorta di casa delle bambole in cui la protagonista architettava tutte le sue trame, per cui ogni stanza è creata sotto questa direttiva, con un colore specifico sempre più acceso (il soggiorno è verde pastello, le scale quasi azzurro acceso, ecc).

Cosa interessante: il modo in cui vengono ritrarre le case di Emma e Mr. Knightley le fa sembrare proprietà confinanti, anche perché nella storia i loro proprietari sono vicini di casa e si frequentano molto anche per questa ragione. Nella realtà distano circa 86 miglia l’una dall’altra e per di più quella di Mr. Knightley è celebre per aver ospitato le produzioni di ‘The Crown’ e di ‘Orgoglio e Pregiudizio’ (2005), che tra l’altro condivide con ‘Emma.’ una scena in cui si fa un tour della casa (coincidenze?). Le passeggiate di Knightley da una casa all’altra annullano la distanza reale e restituiscono quell’idea di familiarità tra i personaggi, oltre che una peculiarità del carattere di lui, che è modesto e non ostenta il suo status come fa Emma recandosi da lei in carrozza.

Le sue passeggiate sono anche un perfetto esempio dei bellissimi paesaggi scelti, che ci indirizzano al tema della natura rappresentata. La natura è brillantemente usata come metafora, per esempio attraverso una precisa scelta dei fiori nella serra, in modo tale che, quando Emma flirta con Churchill, si ritrovi a raccogliere ranuncoli, rose e gelsomino, comunemente legati alla sfera amorosa. Come si è detto, ogni cosa nel film di Autumn è meticolosamente verificata a livello storico (addirittura la razza delle pecore che si vedono pascolare qua e là), quindi non sorprende che lo sia anche la reperibilità dei fiori in una certa stagione e i paesaggi, per restituire una visione quanto più vicina a quella che doveva avere in mente Jane Austen. Di fatto, il villaggio dove i personaggi fanno compere e passeggiano è poco lontano dai luoghi pensati originariamente dalla scrittrice. A questo si aggiunge il fatto che la regista sia una fotografa e abbia questo sguardo incredibilmente artistico, che rende ogni inquadratura un piccolo quadro; se negli interni questo si realizza in inquadrature simmetriche, per gli esterni l’occhio si perde nella profondità di campo.

Orgoglio e pregiudizio (2005) scena a Wilton House, Salisbury
Emma. (2020) scena a Wilton House, Salisbury

Uno degli elementi più caratterizzanti del film è la musica, che restituisce benissimo lo spirito di alcuni momenti. La colonna sonora è in parte composta appositamente e in parte ripresa da quelli che erano gli ascolti all’epoca (Beethoven e Hayden, ma anche alcuni brani della tradizione folkloristica). Nel primo caso è stata scritta su misura per alcuni personaggi, che possono avere un tema specifico che si evolve con loro o strumenti che li rappresentino come negli spaghetti western. Nel secondo caso invece, si è ripresa la grande passione di Jane Austen per la musica folkloristica e alcuni brani che ne hanno ispirati altri di folk rock, caro alla regista (Autumn prima di questo lavoro ha fotografato e vissuto profondamente l’ambiente del rock e questo è ritrovabile in molti dettagli).

La parte originale della colonna sonora è stata composta da Isobelle Waller-Bridge, sorella di Phoebe, che aveva collaborato a ‘Fleabag’ ed era stata notata proprio per questo dalla regista, colpita dal ‘musical sense of humor’ della serie, soprattutto nella seconda stagione. Lavorando insieme hanno sviluppato dei temi secondo l’idea che il direttore d’orchestra stesse in qualche modo litigando con la protagonista del film e inoltre giocando con le tonalità delle voci degli attori, che sono state riproposte con degli strumenti musicali. La compositrice ha sottolineato come ci siano un ritmo e una musicalità nella composizione delle scene di Autumn, che hanno contribuito in modo decisivo alla creazione delle musiche, le quali si sono trovate a seguire i movimenti dei personaggi e accompagnarli.

Tutti gli aspetti visti in precedenza sono la solida base su cui si appoggia la storia, e per quanto essa sia distante dalla nostra quotidianità, in quanto risalente a più di duecento anni fa, è innegabile che ci parli direttamente in molti punti. Questo perché il fatto che il contesto e l’ambientazione siano così distanti da noi, non significa necessariamente che lo siano anche i personaggi. Emma è difficile da amare alla prima inquadratura, ma sta proprio lì parte della grandezza della storia, nell’avere un antieroe come protagonista. Il soggetto del film è la giovinezza, una giovinezza macchiata di hybris, che in ultima analisi si ritrova a vivere molti momenti che potrebbero capitare anche a uno spettatore. Ci sono una serie di situazioni topiche nella storia, che ne fanno un racconto senza tempo, in cui tutti possono immedesimarsi.

Banalmente a tutti è successo almeno una volta di trovarsi a una festa in cui qualcuno abbia detto qualcosa di rude creando l’imbarazzo generale, oppure di capire di essere innamorati del proprio migliore amico; Autumn de Wilde è partita da episodi che ha vissuto sulla sua pelle come questi, e ne ha tirato fuori alcune delle scene più riuscite della pellicola. La vita della regista è nascosta in grandi e piccoli momenti, come il naso sanguinante di Emma, aggiunto allo script per umanizzare il personaggio, ma anche perché spesso accade ad Autumn stessa.

E’ facile ritrovarsi nei personaggi del film, perché questa versione si è concentrata molto di più su alcune dinamiche, una fra tutte la relazione tra Harriet ed Emma, in una prospettiva di crescita. All’inizio del film Harriet è la nuova bambola di Emma, che la indirizza verso una scelta piuttosto che un’altra a suo piacimento. Più la storia prosegue, più Emma vede i suoi piani per Harriet sfumare e si ritrova con un’amica sconsolata e disillusa circa le sue prospettive matrimoniali. Questo non la cambia, perché comunque rimane fedele a se stessa, ma la fa crescere e la rende più umile e contemporaneamente fa maturare anche la sua migliore amica, rendendola per esempio capace di farsi valere di più quando parla con Emma.

I personaggi sono giovani e come tali si comportano: cambiano opinione l’uno sull’altro nel corso del tempo, talvolta sono irragionevoli, talvolta sono ingenui e soprattutto hanno quell’energia, quegli sguardi, che sono riassunti benissimo nella scena del ballo, per cui tutti parlano con gli occhi. Come ogni film in costume che si rispetti il ballo è usato come momento di incontro e contatto, perché storicamente era l’unico momento in cui le persone potevano essere così vicine, fisiche e vive. E’ anche una metafora del punto di vista di Emma, la quale ricerca senza successo la complicità di Churchill per poi ritrovarsi (letteralmente appunto, grazie al ballo) nelle braccia di Knightley.

Il cast molto giovane e molto bravo rende bene le sfumature, e soprattutto la familiarità o il distacco che si crea in un momento piuttosto che in un altro. Uno degli attori migliori è Johnny Flynn, che interpreta Knightley, personaggio che fin dalla prima scena in cui compare è chiaro sarà speciale. Infatti in quella prima scena Autumn de Wilde ha voluto mostrare come venivano vestiti gli aristocratici e come lui ed Emma avessero gli stessi abiti di base. Per cui Knightley viene vestito dai suoi domestici, invertendo il topos tradizionale dei film in costume che prevede la vestizione di una donna.

Il suo è un personaggio che veste sin da subito abiti diversi da quelli che siamo abituati a vedere per la mascolinità: è legato ad Emma e litiga con lei solo in funzione del fatto che vorrebbe che fosse più matura; in più c’è una dolcezza di fondo nel suo carattere, che probabilmente è di famiglia, perché nella scena finale sia lui che il fratello si commuovono e versano qualche lacrima al matrimonio. Questi dettagli e molti altri delineano una visione diversa di mascolinità, che rientra sempre in quell’ottica di familiarità che la pellicola crea scena dopo scena.

Una familiarità che trova la sua forza anche in quella che mi piace definire ‘componente realistica’ che trapela più volte nella narrazione: quando Emma si alza la gonna per scaldarsi davanti al camino, quando Miss Martin ha l’orlo del vestito bagnato per la pioggia, quando le pecore stanno pascolando davanti alle case o quando qualcuno mangia troppo velocemente a tavola. Tutti questi piccoli dettagli danno come una linfa vitale ai personaggi e ce li rendono amici. Sono stati usati tra l’altro sapientemente per far trapelare la vena comica dalla storia e non imporla rigidamente dall’esterno.

Autumn de Wilde ha ricostruito questo mondo in modo dettagliato e l’ha riempito di una giovinezza sincera, l’ha fatto con passione e con affetto verso la storia e i suoi personaggi. Se Jane Austen vedesse il film non potrebbe fare altro che confermare che si tratti della trasposizione definitiva della storia (non a caso nel titolo c’è un punto)… poi probabilmente si farebbe un piantino anche lei per il finale.

Costanza Rossi

FONTI: costume design + analisi dei costumi e della loro accuratezza storica & + interviste a Alexandra Byrne &

set design + locations + importanza dei fiori nella trasposizione

intervista alla compositrice Isobel Waller-Bridge + intervista al cast e alle set designer direttamente sul set + intervista regista e attrice principale + il personaggio di Harriet e ‘Clueless’ secondo Autumn de Wild

perché c’è il punto nel titolo–16722 + prima sequenza del film